Edad Media (2da parte)

La miniatura española

La pequeñez intrínseca del arte del manuscrito praporciona una intimidad que puede resultar tremenda. La miniatura medieval más espectacular es, quizá, la española. El Libro de las Revelaciones, el último y apocalíptico libro de la Biblia, ofrecía una fuente inagotable de imágenes de increíble fuerza. El monje Beato, que vivió en el siglo VIII en Liébana (Asturias-España), escribió un comentario en el Apocalipsis (también se lo conoce como el Libro de las Revelaciones) que inspiró durante siglos las imaginaciones visuales de toda una serie de pintores. Aquí vemos como otro monje (probablemente español o educado en España), que trabajó en el monasterio de Saint-Sever, en Gascuña, imaginó a Cristo y los 24 ancianos en una copia del siglo XI del Beato (arriba). Alrededor del borde exterior del gran círculo donde se encuentran Cristo y sus benditos están las almas de los santos, puras y libres como pájaros. Hay una maravillosa alegria en la imagen de los ancianos, incluso en los cuatro evangelistas con las copas en alto para brindar por el Señor triunfante, mientras los santos alados alargan sus anhelosos brazos hacia la gloria celestial.

La miniatura inglesa

Al igual que los monjes irlandeses, los ingleses también produjeron manuscritos de gran belleza, y este fue uno de los pocos períodos en los que el grupo menos visual, el de habla inglesa, alcanzó fama internacional gracias a sus artistas. Matthew Paris, que murió en 1259, fue monje de la floreciente abadía de San Albano, en las afueras de Londres, y sus cuarenta y dos años en el convento dieron como fruto una serie de libros que escribió e ilustró, aportándoles el beneficio de su notable maestría. En este ejemplo del Salterio de Westminster, el santo patrón de los viajeros, San Cristóbal (arriba), aparece cruzando el rio con el Niño Jesús en los brazos. Otra obra destacable de San Albano, conocida como los Salmos de Oscott (abajo) e ilustrada por un artista anónimo, muestra la misma delicadeza de linea, con una elegancia y una sutileza psicológica que encantan a quien lo mira. Uno de los santos representados es san Pedro, identificable por las llaves que sujeta en la mano y porque esta sobre una roca.

El bordado inglés

El denominado Tapiz de Bayeux no es un tapiz, sino un bordado de lana sobre tela. Durante mucho tiempo se creyó que lo hicieron en Normandía algunas damas de corte de la reina Matilde, esposa de Guillermo el Conquistador. Sin embargo, recientemente se ha demostrado que lo encargó el obispo Odo, hermanastro de Guillermo, y que se hizo en Inglaterra. Posee la misma animación desigual que encontramos en los manuscritos ingleses. Es una especie de tira cómica anglosajona que cuenta la historia de la conquista normanda de Inglaterra de forma sucinta y encantadora. Se trata de un largo friso de tela con bordes inferiores y superiores, donde se comenta la acción del panel principal. En esta escena en concreto ( 44) , los hermanos del rey inglés Harold son asesinados por soldados normandos. El borde superior se ha reservado para animales decorativos, casi emblemáticos, mientras que el inferior esta repleto de imágenes de soldados muertos y una serie de armas y armaduras abandonadas.

La miniatura francesa

Existe un precioso misal (libro con textos para las misas de un año) que ha perdurado desde el siglo XIV en la abadía de San Denis, en Paris. Es de un discípulo de Jean Pucelle, miniaturista que tenia un taller en Paris. Una página muestra un texto litúrgico para el día festivo de San Denis (arriba), con una magnífica «0» pintada y dos miniaturas que explican la relación del santo con la familia real. Incluso aunque no conozcamos la leyenda del ciervo que se escondió en una iglesia cuando le perseguía el principe Dagoberto, y cómo el príncipe y su padre, el rey Clotairo, se reconciliaron al fin gracias a una aparición en sueños de san Denis, podemos disfrutar de los figurines pálidos y meticulosos que viven sus aventuras sagradas en el misal.

La pintura románica

En una ilustración de una Biblia moralizadora francesa (texto bíblico con comentarios moralizadores) de mediados del siglo XIII, aparece Dios Padre como arquitecto (arriba). Esta obra muestra el progresivo retorno al estilo natural del arte romano -especialmente visible en la caída de la túnica y en la sugerencia de volumen-, un estilo que alcanzaría cotas de realismo sin precedentes en la pintura gótica. Aunque el artista no nos ha dejado su nombre (y esto es típico de las pinturas de la Edad Media), el cuadro tiene una fuerza casi giottesca. Casi seiscientos años despues, William Blake también mostraría a Dios inclinado sobre un compas en una ilustración de su libro The Ancient of Days (abajo). No obstante, el Dios de Blake esta limitado por la geometría, y este artista se rebela contra la norma de la ley fria y se regocija en la majestuosidad de una deidad fuerte y libre. Dios se sienta en el espacio, apenas contenido en el azul brillante y en los bordes escarlatas de la imaginación humana. Los grandes remolinos de su manto real recuerdan los pliegues escultóricos de las figuras de la catedral de Reims. Dios está totalmente enfrascado en la creación, haciendo todos los esfuerzos con su poderosa voluntad para controlar y disciplinar las aguas, las estrellas, los planetas y las tierras de su mundo. Sentimos que muy pronto lo enviará dando vueltas al espacio, pero primero lo ordena. Trabaja con gran concentración, una perfecta combinación de arte y habilidad. Cuando el artista florentino Giotto empezó a pintar frescos, a principios del siglo XIV, descubrió un talento tan inmenso que cambió el curso de la pintura europea. Sin embargo, el arte de la miniatura no acabó de inmediato; contemporáneos de Giotto y posteriores a su epoca, influidos por él y sin embargo distintos, los artistas de la miniatura continuaron con su intrincado arte y alcanzaron un nivel muy alto, precisamente porque Giotto los liberó de cualquier limitación imaginativa.

Influencias clásicas

Otras obras que pueden considerarse como antecedentes del naturalismo de Giotto son las pinturas y los mosaicos del artista italiano Pietro Cavallini (activo 1273-1308}. Trabajó principalmente en Roma, y quizas allí vio Giotto ejemplos de su obra al principio de su carrera. El estilo de Cavallini estaba muy influenciado por el arte romano clásico. Aunque su obra ha llegado hasta nosotros, la mayor parte de ella sólo lo ha hecho, desafortunadamente, en fragmentos. Este ejemplo es un detalle desu mejor fresco, en la iglesia de Santa Cecilia en Trastevere, Roma (arriba). Los dos apóstoles sentados forman parte de un grupo más amplio que rodea la figura de Cristo en el Juicio Final. En el apóstol de la derecha, no identificado, podemos apreciar una dulzura y una gravedad de un gran encanto humano, ademas del poder sobrenatural. Es un santo accesible pero, sin duda alguna, un santo.

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